约翰·苏利耶艺术的本质

在2019年布鲁克林的铁路在接受Erik Lindman的采访时，John Zurier回忆说，他童年时的第一幅画是出于画大海的愿望。在他目前的节目中，冰的未来在彼得·布鲁姆，这种描绘自然的愿望似乎完全完好无损。然而，这些并不是自然世界的字面翻译。与苏利耶以前的展览截然不同的是，点缀他近乎单色绘画的稀疏建筑符号现在变成了线条和形式，鼓励了他以前回避的人物/地面关系。虽然过去的展览展示了一种一致的触感，有时密集，有时轻盈，但这次展览的20幅纸和亚麻画在颜料应用、表面和压力方面差异很大。观众可以看到一个成熟的艺术家展示他所有的工具。结果没有让人失望。

美国绘画是出了名的响亮、直率和毫无歉意。在冰岛拥有一间工作室的苏利耶更符合某些欧洲绘画风格，认为低调是一种美德。从这幅安静的作品中，人们产生了许多联想:瓦比·萨比的优雅不完美，罗伯特·莱曼无尽变化的表面，冰岛的气候，以及弗拉·安哲利科在圣马可的画作的颜色，所有这些都是艺术家轨迹的试金石。将这些不同的利益联系在一起的是Zurier对时间和无常的关注。里面的作品有什么令人惊讶的地方冰的未来是艺术家如何设法将每幅画简化为最重要的东西，但他在每幅画中都保持了令人难以置信的特异性。

《无题(早晨)》(2021年)就是这样的作品。这是一幅大小适中的亚麻油画，由绿色对绿色的色彩场组成。这种油漆是用一种薄而粗糙的方式涂上的，可以看出有两层。在画布的右侧有一个薄薄的白色L形，略低于顶部和底部。右边还有三个破折号，从上到下间隔相等。Zurier画了这些小的建筑形式，在编织中有穿孔，或者在亚麻上有折痕，这给人一种直观的标记。L形创造了一种人物/地面的关系，这是艺术家在之前的作品中只暗示过的。绿色和白色之间的值对比允许一个有力的，图形质量;这个形状读起来不像字母或符号，更像一个浮动的能指。

苏利耶感兴趣的是形式的模糊性，亚麻上的颜料痕迹，以及它所施加的压力。调色板表明，这幅画不是关于早晨本身的颜色，而是关于时间在一天中的特定时间流逝的现象性体验。

在《无题(波拉吉尔)》(2021)中，苏利耶在浅绿色的地面上画了一个深棕红色的T形。绿色有一种实事求是的品质，用薄而透明的水平笔画出，而T形则令人难以置信地令人回味。它很窄，不透明，感觉像是被切开了。它孤立在绿色的地面上，赋予它一个基本的特征:它位于字母、门梁和十字架之间的某处。横梁是建筑中最基本的形式之一，但艺术家赋予了它一种罕见的情感共鸣。

苏利耶从加法和减法中得到的东西一样多，经常会得到不可思议的结果。他擦去油漆，经常留下污渍和残留物，只是为了重新油漆。像《冰川》(2021年)这样的画作，以及像《靛蓝音符》(2021年)这样的纸上作品，比传统的纸或亚麻更接近皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡(Piero della Francesca)壁画的物质表面。

然而，简化并不是他追求的全部。苏里尔不是一个极简主义者。他也没有贩卖艾格尼丝·马丁(Agnes Martin)探索的后极简主义遗迹。极简主义者认为只有物理对象和属性存在。对于那些想要摆脱任何玄学或无形资产的艺术家来说，这是一个很方便的位置。这不是苏利耶的意图。

詹姆斯·毕晓普曾这样形容自己安静派的抽象表现主义画家。”苏利耶或许也适用于这一范畴，但他对此持适度的怀疑态度。在一个痴迷于艺术家的人物形象的艺术世界里，祖里尔仍然致力于另一种愿景。他保留了视觉线索:建筑碎片、涂色、笔触和擦除，所有这些都是个性的痕迹。然而他的画是反自我的。

他的触摸与一种渴望在绘画行为中迷失自我有关，艺术家的手工作品变得不可能准确地描绘，但物理存在仍然存在。乍一看是快速、富有表现力的绘画处理，其实是刻意的。这些画作促使我们通过放慢对快速接收的渴望来弄清楚如何真正地看到。祖利尔主张冥想经验。

John Zurier:冰的未来将在彼得·布鲁姆画廊(曼哈顿格兰德街176号)展出至11月13日。