《制作的艺术》是一部给那些没有关注的人看的电影

如果你是本网站的经常读者*，这对你来说不会感到震惊(否则，你会坐下来吗?)，但艺术界目前面临着无数的问题，包括剥削、薪酬不平等、性别歧视、种族主义、残疾歧视等等，这些问题往往存在于多个交叉的系统和制度层面。对于那些还没跟上的人，新纪录片制作的艺术作为一个相当有用的入门读物。虽然它没有任何正式的突破，但导演凯尔西·爱德华兹和她的工作人员有相当程度的接触艺术家、评论家、教师、买家和收藏家有着不同的背景和地位。有后起之秀，比如吉塞拉麦克丹尼尔，老牌老兵，比如安德里亚·鲍尔斯，还有很多人在中间喜欢Sebastian Errazuriz而且费利佩•萨，所有这些都得到了同等的重视和关注。但是，尽管这部电影提出了许多问题，但却缺乏深度，提出的解决方案也非常缺乏。

这部电影和2018年的纪录片共用一个制片人万物的价格，有时感觉就像它的同伴作品或精神续作。纳撒尼尔·卡恩(Nathaniel Kahn)的这部电影深入探讨了艺术界的金融化，在当代，昂贵的作品对于买卖它们的人来说，往往只是众多资产中的一种，审美上的考虑和意义远远处于次要地位。通过调查现在的艺术家是什么样的，爱德华兹向我们展示了这种范式的后果。她的发现对任何关注她的人来说都很熟悉，但仍然发人深省。所有的钱都集中在上层，而底层的艺术家却得不到支持，几乎不可能平衡是不再是艺术家了。画廊和博物馆没有答案(而且往往没有兴趣去寻找它们)，艺术硕士学位和其他促进发展的机构途径的效用看起来越来越令人怀疑。

这部电影对其主题的处理相当散漫，因为它从一个想法转移到另一个想法的理由并不充分——这是太常见的“打勾”非虚构的方法。它的一些面试感觉像是浪费了机会;海伦Molesworth除了在提到其他人物和事件时使用简洁的单行描述外，几乎没有贡献。一般来说，批评家们被引用来做一些相当宽泛的陈词滥调。一边是戴夫·希基(Dave Hickey)，他满腹牢骚，愤世嫉俗，另一边是杰瑞·萨尔茨(Jerry Saltz)，他为年轻艺术家提供了鼓舞人心但极其笼统的建议。“创造力存在于我们身体的每一根骨头里。这是人类发明的最先进的操作系统之一。”好的，谢谢你，杰瑞。(索尔茨的这句肯定的话出现在了电影的宣传中，感觉就像奥巴马给自己颁奖的照片)。

这种混杂的信息象征着纪录片的华丽有时会让人感到困惑，而不是不拘一格。当布鲁克林博物馆馆长安妮·帕斯捷尔纳克(Anne Pasternak)等建制派人物讨论制度问题时，这种情况尤其严重。我们都在找凶手(请原谅我在这么多段落中第二次引用米姆。)尽管它是令人印象深刻的是Stefan Simchowitz即使他只是通过你的电视屏幕进入房间，也会立即给房间带来不安的寒意。

不断拒绝深入研究细节是阻碍制作的艺术。一个突出的次要情节是关于克里斯·沃茨(Chris Watts)，他在耶鲁大学攻读MFA项目仅一年后就被解雇了，而影片对这一事件发生的原因和过程却含糊其辞，令人奇怪。除了少数例外，比如麦克丹尼尔，这部电影并没有过多地探索艺术家们创作的实际作品，这似乎与它本身的精神相悖。一个反复出现的障碍是，尽管许多受访者讨论了在这种环境下改革的必要性，但很少有人能提出改革可能是什么样的。(我想说的是，你无法通过基于同一套假设的方法来解决资本主义固有的结构性问题，但我只是一个谦逊的批评者。)这就是“颠覆”这个概念的问题所在——它很模糊，人们谈论它时往往只能指向技术解决主义，而这只会让事情变得更糟。果然，这部电影接受了非功能性测试诈骗，现在在它已经被大部分人质疑之后又出来了。这份文件已经以这样一种方式过时，这对它的权威来说不是一个好兆头。

制作的艺术可在各种视频点播平台上播放。

*“过敏反应”实际上是在纪录片中通过引用弹出的新闻标题视觉效果来客串的，所以我希望我们是对制片人有帮助的资源。